viernes, 28 de octubre de 2016

The Salma Hayek Guide To Life

Max Abadian / Red magazine
Max Abadian / Red magazine
Salma Hayek doesn’t so much enter a room as decant into it. When she appears in the doorway of the South Kensington Club, all conversation pauses as people take in the fact of the actress and her indomitable curves, today clad in head-to-toe-to-handbag Gucci. And then she starts talking about the menopause.
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“They don’t tell you the things that can happen,” says Hayek, 49, shaking her head in feigned disbelief. “They send you this questionnaire: Are you losing your hair? Are your nose and your ears growing? Do you have facial hair growing? Are you gaining weight that you cannot get rid of? Are you shrinking? And then they ask, is your vagina dry? And my answer was, ‘If I’m bald, and my nose and my ears are huge, and I have a moustache and a beard, and I cannot lose the weight, and I’m even shorter than I’ve been my whole life, who cares if the vagina is dry? Nobody is gonna come near it!’” 
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Frank and uproarious, authoritative and sexy as hell: that’s Salma Hayek. With her honeyed rasp of a voice and direct gaze, she packs a commanding presence into a pin-up frame. Born in Mexico, Hayek launched her career in telenovelas before moving to Los Angeles to cross over into film. After landing lead roles in films, including Desperado and Fools Rush In, she spent nearly a decade campaigning to produce Frida. The 2002 Frida Kahlo biopic earned two Academy Awards and a Best Actress nomination for Hayek. Then she executive-produced Ugly Betty, started her own beauty brand (Nuance), and took her activism all the way to Congress. When she says, with a glint in her eye, “I’ve had to fight very hard for everything I have”, you believe her, and then wonder why anyone would be so foolish as to stand in her way. 
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For her latest project, Matteo Garrone’s dark fairy tale Tale Of Tales, Hayek plays a queen desperate for a child. A sorcerer tells her she must consume the heart of a sea monster to conceive and, in scenes of otherworldly beauty and strangeness, that’s what she does. Before the 2007 birth of Valentina, Hayek’s daughter with husband François-Henri Pinault, CEO of the Kering luxury fashion group, she experienced “that yearning, that longing and that pain”.
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Hayek brings Valentina, now eight, along to work when she can and delights in her daughter’s curiosity. On the Red cover shoot, Valentina swoops and scampers among the stylists and photo assistants, intent on getting as close to her mother as possible between shots. “I try to be really present with her, and really listen to her, and make it up day by day,” Hayek says, “because they change so quickly.” 
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Off-screen and off the red carpet, Hayek revels in domestic routines. Tonight, she’s excited about that rarest of events in any working mum’s life: a date night. “Valentina has a sleepover and I’m having a surprise romantic dinner with my husband, to go discover somewhere new.” 
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She cooks most nights. Her latest invention: Thai chicken soup with added Serrano chilli. “I cannot just follow a recipe,” she says with a dismissive wave. “Everything has to be creative. I do not like to do it how it has always been done.” Amen to that. Here, she shares some more life lessons...

“I come from a strange place. My town, Coatzacoalcos, was very rural, but 85% of Mexico’s oil refineries were there during the oil boom. A small group of families, including mine, had access to a much larger world. But it was a small town; you could have a huge mansion with a little shack right next to it. I went to a school that had all kinds of people. I played on the streets with everybody. My mother and father taught me to treat everyone absolutely the same. Don’t separate yourself by class. The most important thing you have to learn is to cherish your humanity and humility. If you detach judgement and just see people, your possibilities of connecting are much stronger.”
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“In Mexico they said, ‘You have no talent, you’re a spoiled brat, you’ll never make it as an actress here.’ I ended up doing telenovelas in Mexico and then went to the US because I wanted to do films. They said, ‘You’re Latina, you’re very limited, the parts don’t exist, you’ll never make it as an actress here.’ In both scenarios, I thought, ‘What an interesting challenge. This is wrong. It must be changed.’ I had conviction because I was completely clear that this was what I had to do.”
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“When I was pitching Ugly Betty to the US TV networks, I got rejected three times. But I knew I had bought the rights to something that was a phenomenon in the Latino community. It had already been produced in Colombia and Mexico and had worked every time. I went to an agency that represents sponsors with a case study demonstrating how this show could reach the Latino market, and they offered to pay for the whole thing. I went back to ABC with this information, and it was different. The first episode of Ugly Bettyhad 16 million viewers.”
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“I’ve had to fight very hard for everything I have, but I’m a good strategist. Instead of getting angry, I take the information and find a solution. You have to learn to listen to your instincts. Especially women; we are programmed to diminish our own instincts and vision. You have to be able to block everybody else’s voice so that you can find your own. And then have the curiosity to learn about anything that will support your instinct. Really go and research. And then have the stamina and the stomach to go fight for it.”
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“When I think about how hard I worked to bring Frida to life, for nearly 10 years, I’m in awe. Some of my strong opposers at the time, people who thought it was crazy, later on in life have become incredible allies. From the outside you don’t see how huge the struggle was, but the people inside know that I did it on my own. Sometimes you don’t get the respect in the moment. But you have to believe in karma, and think long-term. It teaches you to remember, when you get down, that everything is possible.”

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“I only succeed 2% of the time. You don’t see the millions of times I have failed trying. First rule of life: you have to always learn from your failures. Embrace them. I worked four years on The Prophet, a film I am so proud of, that I thought was going to inspire people, and it’s the biggest failure I’ve ever had. We couldn’t even get distribution. And it’s the thing that I am most proud of that I ever did. I’m proud of my failures, because I did them with conviction.”
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“I had a child late in life. In Tale Of Tales, I identified with my character’s desperate desire to have a child, and maybe feeling that you could never be happy or complete, that your life is not complete, without this. I’ve had that yearning, that longing, and that pain… I always wanted to have a lot of children, and I was not able to. My body, as a miracle, had one. The huge blessing I’ve had is that my husband has three other children. So I have four. And they are all so different."

“I try to be with Valentina as much as possible, even when I’m working. She was with me on the cover shoot and she felt like a participant – she wasn’t just sitting there on the iPad. This is so important. You have to drag children into participating in life. It takes a lot of work and mummies are very tired because most of us work and life is exhausting, especially if you are an older mom like me, but you have to make the effort. And if you have a smart child, it’s harder. Now it’s so easy to just entertain them (with a screen), and you don’t have to go through the complaining for an hour about dragging them places. Drag them, and make them a part of your life. It’s about the human connection, and the things they can learn from participating in life. Otherwise, isolation starts to happen.”
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“When there is a conflict, people waste time and energy trying to find out who to blame. It’s easy to ask whose fault it was instead of putting heads together to see what can you learn from it and how can you fix it. Trying to find who to blame – even if you know immediately whose fault it was – is extremely destructive in a relationship. The person with the fault will have a lot of guilt or shame, or feel attacked. Everybody loses.”
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“Sex is not the key to a happy marriage, but it’s a side effect. Although not every day! If it’s every day, it loses its charm. It’s so important to maintain your chemistry. You have to continue to laugh, explore, have fun with each other, and have romance. A good marriage, full of love, is my biggest accomplishment. Home is where my husband is. He is home. Everything outside of the family nucleus is an adventure that you’re living together.”
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“Even though I struggle every moment with my own judgement of my body, I’m in touch with myself. I try to be really aware of every muscle. It is sexy. Sexuality, what other people see in you, is enjoying your body. Involve your senses in your life, and you will become sexy. Dance, and not to look good. If you dance terribly, still dance. I’m a diver, and I think this is the most sensual thing. It’s liberating to move in the water, to float, to observe things that you cannot control, to be in touch with your breathing. I find that sexy. It might in the moment not look sexy, but this interaction with life makes you sexy. And even if you’re on a diet, enjoy your food – please! It’s a very Latin point of view.”
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“I am happiest when I am creating. Oh, that gives me such pleasure! I think every woman is a creative being and a lot of women don’t get to be happy because they don’t have a creative outlet. Or women waste time obsessing about fashion, or their weight, or their children, which is all about image. We were born to create. Even if you don’t think you have the talent in you, imagination and creativity is a very strong part of being a woman, and you have to find a way to explore it. I’ll tell you why: we are the creators of life.” 
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“Happiness cannot be perfect. Perfection is a mirage. If you have a vision of perfection, when you take the road to get there, if you learn in the road, then when you arrive you will see it’s not perfection. Perfection can damage beauty, it can damage art, it can damage growth. Happiness cannot have this title of perfection.” 

Tale Of Tales is released nationwide on 17th June. Watch the trailer below

El PSOE contra Pedro Sánchez, doctor "NO PORQUE NO."

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De antemano la posición de cada uno de los grupos parlamentarios del Congreso respecto de la investidura del presidente del Gobierno, el mayor interés de la sesión de la Cámara que ayer se celebró residía en conocer la futura línea de actuación del Partido Socialista, que mañana posibilitará con su abstención la permanencia de Rajoy en la Moncloa, y de quien depende, sobre todo que, una vez elegido, pueda gobernar.
Sin novedad. Ninguna, porque la extremada dureza de las palabras del portavoz del PSOE, Antonio Hernando, en contra del PP (reunión de todos los males sin mezcla de bien alguno, como el Infierno del catecismo más tradicional) confirman lo que ya era legítimo suponer desde hace tres semanas: que la abstención socialista, lejos de resultar un hecho coherente con el reconocimiento del grave error que ha mantenido bloqueada nuestra vida política desde hace casi un año, ha sido, a fin de cuentas, una decisión instrumental en la lucha interna en el PSOE.
Por tanto, los adversarios de Pedro Sánchez y de la demencial deriva que el líder defenestrado -convertido por méritos propios en un verdadero Doctor No- había impuesto a su partido, utilizaron la decisión de abstenerse en la investidura de Rajoy como un ariete para acabar con el uno y con la otra y, tras lograrlo, se han encontrado con que no sabían qué hacer con su nueva posición. Y es que la abstención, que se ha demostrado tan útil para trabar una nueva mayoría en la dirección de los socialistas españoles, ha sido desde entonces como fuego en las manos para quienes se han convertido en los actuales dirigentes del PSOE.
 Esta penosa situación es la que permite entender dos hechos que resultarían de otro modo absolutamente inexplicables: primero, que los socialistas hayan decidido abstenerse sin una negociación previa con el PP y sin exigir, en consecuencia, nada a cambio por permitir que Rajoy sea presidente; segundo, que esos mismos socialistas estén obsesionados con hacerse perdonar una abstención que no perseguía, en el fondo, hacer presidente a Rajoy, sino evitar que Sánchez pudiera serlo con el apoyo de Podemos y de los independentistas. Una abstención, por ello mismo, que les da tanta vergüenza a quienes la defienden como para tener que criticar con la máxima dureza a su principal beneficiario (hacer «un esfuerzo por ser más diferentes», según las certeras palabras de Rajoy), lo que convierte la posición socialista en un auténtico dislate.
Unasin razón y sin sentido que, por lo demás, solo puede acabar de dos maneras, las dos muy malas para el PSOE: o con un nuevo cambio de posición que permita la gobernabilidad, cambio por medio del cual los socialistas vuelvan a desdecirse de lo que manifestaron en la sesión de investidura; o con nuevas elecciones generales, si los socialistas se mantienen en el «sí pero no» que hoy define su terrible alienación con locura..

Antonio Hernando, Portavoz del PSOE, otro muñeco diabólico en lista de espera.

No es mí  intención de hacer leña a costa de la reconversión personal de Antonio Hernando por defender un mandato del comité federal distinto al que defendió antes del 1 de octubre en el ejercicio de su papel como portavoz del Grupo Parlamentario Socialista.

DSe defendía como gato panza arriba, medio defendió el mandato del no antes del 'susanazo' que destronó a Pedro Sánchez. Y defendió ayer el de la abstención porque el mismo comité, depositario de la voluntad de los militantes, entendió que el bloqueo político exigía modificar el rumbo que nos abocaba irremediablemente a unas terceras elecciones en menos de un año.

Era y es la misma resolución. Hernando trasladó hasta la Cámara un compromiso de su partido basado en la resolución del 28 de diciembre 2015 que, hasta la caída de Sánchez, también había inspirado el no. El cambio de contexto entre una y otra postura acabó transformando la unanimidad del no en una clara mayoría favorable a la abstención (139 frente a 96) como mandato vinculante para los 84 diputados socialistas en la investidura de Rajoy (sábado 29 en segunda votación).

Esa es la historia. Todo ello a raíz de que el máximo órgano de gobierno de los socialistas entendiera que “la repetición de elecciones es gravemente dañina para la salud de la democracia”, a la luz de una constante histórica que reza: “En las decisiones del PSOE, primará siempre el interés de la sociedad española”, dice la citada resolución del 28 de diciembre de 2015.

Muchos analistas han preferido enfocar a Hernando como si el gran suceso de la jornada fuera su caída del caballo o su presunta deslealtad respecto al líder defenestrado. Si así fuera, se habría desmentido a sí mismo. Pero su coherencia como dirigente y militante socialista es intachable. Respeta las reglas de la mayoría, se atiene al principio de unidad de actuación, subordina su interés personal al de su partido y hace su trabajo como portavoz del grupo, que incluye el deber de cumplir y hacer cumplir los mandatos del comité federal, como ha venido haciendo antes y después del 1 de octubre.

Aun así, tampoco comparto la acusación de incoherencia con sus propias convicciones. Me consta que, sobre todo en el último tramo de su trabajo en el equipo de Sánchez, estaba incómodo en la posición del “no es no”. Pero, insisto, ha sido coherente con su partido y con las políticas decididas democráticamente por la dirección de su partido.
El impacto de la reconversión en su conciencia individual solo le concierne a él. En la reciente convulsión socialista, que se ha llevado por delante a la ejecutiva y ha modificado la posición en la investidura de Rajoy, importa la resultante.

Que cada cual se pregunte si es bueno o es malo para España y para el PSOE evitar las elecciones y normalizar la vida política. Soy de los que creen que es bueno y que, como dijo Hernando, el tiempo dará la razón al PSOE. Pero no vale decir, a juicio de cada cual, si es bueno o es malo que siga gobernando Rajoy, porque lo hubiera seguido haciendo de todos modos, con elecciones y sin elecciones, con la vida política normalizada o con dos meses más dedicados al mareo de la perdiz. Tampoco vale hablar de Gobierno alternativo, salvo que se esté de acuerdo en añadir populismo y secesionismo a la causa del PSOE.

Y, en fin, sería injusto sostener que la intervención de ayer de Hernando fue un canto de alabanzas a Rajoy, como dicen quienes acusan al PSOE de haberse rendido a la derecha. Al contrario, denostó por enésima vez las políticas del PP (“Las razones del no siguen muy vivas”) y advirtió de que el PSOE mantendrá el nivel de exigencia que toca al principal partido de la oposición. Lo cual es perfectamente compatible con la vocación de 'partido de Estado' que de ninguna manera podía seguir dedicando una mirada distraída al problema de la inestabilidad.

“No hay razones para confiar en usted, señor Rajoy, pero tampoco hay razones para mantener el bloqueo y llevar al país a unas terceras elecciones”, dijo ayer Hernando. Ayer mismo podía haberlo firmado Pedro Sánchez. Lo hubiera hecho de no haberse cruzado antes las razones que, al ver amenazado desde dentro su liderazgo, le llevaron a mezclar la crisis orgánica de su partido con los graves problemas del país.

jueves, 27 de octubre de 2016

Renoir, El impresionismo de Renoir, sencillamente, es el mejor y más puro.

El impresionismo fue el primer estilo de la burguesía triunfante y ya asentada. Mientras David o Delacroix pintaban intensas escenas de violencia, abnegación y heroísmo revolucionarios, tras el paradójico imperio de Napoleón III (1808-1873) las cosas estaban claras: el viejo régimen ya no regresaría y un nuevo orden había logrado la hegemonía política además de la económica.
Los impresionistas, cada cual con sus matices, reflejan un estado de cosas optimista y plácido, aunque los incipientes obreros hubieran amenazado con una Comuna (1871) que sucedió poco antes de la puesta de largo del impresionismo en 1874 pero ya solo era el recuerdo de una pesadilla populachera. Para el impresionismo no es que no existieran los trabajadores. Es que apenas existía el trabajo.
Cuando se dice que el impresionismo es el primer estilo de la burguesía establecida en el poder hay que matizar. Fue el estilo que creó y consumió la alta burguesía. Monet, Sisley, Pissarro, Morisot, Degas o Caillebotte eran hijos de potentados. La nueva aristocracia. Solo Auguste Renoir (1841-1919) procedía de otro estrato de esa misma clase, la pequeña burguesía. Su padre no era un banquero, un empresario o un terrateniente, sino un humilde sastre casado con una costurera y una familia de siete hijos.
Es imposible que esta diferencia social no influyera sobre Renoir. Muy pocos de sus compañeros de estilo como Sisley, cuya familia se arruinó, necesitaron trabajar para ganarse la vida mientras que él hubo tuvo que hacerlo decorando cerámicas o cortinas desde los 13 años.
La exposición de Renoir en el Thyssen, comisariada por su director Guillermo Solana, apenas contiene dos o tres de las obras emblemáticas de Renoir porque su propósito es otro, mostrar su intimidad, sus figuras post-impresionistas. Que es lo que hizo Renoir durante la mayor parte de su medio siglo de vida artística.
En la web se han recopilado imágenes de nada menos que 1.736 obras del pintor (hay unas 4.000). Lo que se deduce al echarle una ojeada es el equivalente de algo que en música, cine o literatura, se llamaría un one hit wonder. Alguien que escribe, graba o rueda una maravilla y luego desaparece del mapa. Renoir no desapareció del mapa, de hecho se hizo rico, pero su producción en las últimas décadas, el peso de esta exposición, equivale a su práctica desaparición como pintor de interés.
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Mujer con sombrilla

Pocos temas para mucha obra

Las obras impresionistas de Renoir que conocemos de memoria y siguen reproduciéndose en cascada a través de los tiempos, pertenecen a algo más de un decenio, aproximadamente entre 1869 y mediados de 1880. No llegan a cien las comúnmente conocidas, que tampoco está mal. El resto son la sucesión de unos pocos motivos recreados ad nauseam. Cabezas y bustos de mujeres, paisajes desvaídos, retratos de niños, algunos bodegones y jarrones y diferentes tipos de desnudos femeninos, destacando las bañistas.
Son muy pocos temas para tanta obra y tanto tiempo, 35 años. Sobre todo porque cada uno de ellos tampoco admite grandes variaciones y Renoir no tiene el menor empacho en repetir las fórmulas con ligeros matices. Eso sí, trabajó hasta el día de su muerte, con las manos paralizadas por una artritis reumatoide.
Los pocos cuadros grupales de Renoir ( El molino de la Galette, El almuerzo de los canoistas…) se encuentran entre los más representativos de la sociedad impresionista. En sentido literal, jóvenes con posibles bañándose, remando o bailando en lugares que incluso había visitado el segundo emperador Napoleón. Pero también en lo estilístico. Son cuadros técnicamente tan sólidos como radicales en su momento y Renoir capta maravillosamente la vibración de la luz y del movimiento en ella, cosa esta última que pocos impresionistas buscaron.
El almuerzo de los canoistas
Pero olvidemos esos cuadros sociológicos porque aquí apenas están representados por El paseo, de 1870,  Después del almuerzo de 1879 y un Baños en el Sena (La Grenouillère) de 1869, que no es el más conocido de la serie, pero si el intento impresionista más temprano. Hay un precioso paisaje cercano, Mujer con sombrilla en un jardín (1875) y un par de buenos retratos del histórico marchante Paul Durand Ruel.
El Paseo
En la subsiguiente sucesión de figuras, con el bienvenido aunque algo sorprendente descanso de una sala de paisajes, se puede percibir la evolución de Renoir. Desde un primer estilo muy en la añosa escuela de Barbizon (1825-1875) llega a un momento transicional clave, representado aquí por la Sra. Clémentine Valensi Stora (La argelina), de 1870. El cuadro es un híbrido. En el cuerpo y fondo, Renoir se libera del trazo preciso de Barbizon en pinceladas sueltas, más con la densidad de Delacroix que con la levedad de Velázquez. Es un primer intento de aplicar el impresionismo a las figuras, porque el rostro de la retratada permanece firmemente anclado en la definición anterior.
Madame Clementine
En apenas un par de años Renoir domina la nueva técnica impresionista y pinta sus lienzos emblemáticos. Pero así como Caillebotte, Degas y por supuesto Monet mantuvieron sus convicciones estéticas hasta el final de su obra, Renoir no lo hizo. Es cierto que para él la retina no lo era todo, que le gustaba tocar. Que le interesaban más las figuras que los paisajes. Y que necesitaba ganar dinero, como cualquier hijo de sastre.
Mujer al piano
Acabaría separándose del movimiento. No es qué involucionara por completo. Renoir buscaba una belleza que se vendiera bien y conservó, excepto en una corta etapa en la que parece imitar a Ingres o Rafael, un trazo suelto y suave. Incluso aunque durante sus últimos treinta años el dibujo adquiriera mayor importancia, el pincel sigue siendo fluido y colorista, más en gamas apasteladas de un mismo color dominante que en fuertes contrastes. Es el estilo preponderante en Renoir y si solo hubiera sido este, cabe dudar que hoy ocupara un lugar destacado en los libros de historia de la pintura.

Pintor de figuras

Lo que viene a Madrid, aparte de algún paisaje interesante, como el poco característico Paisaje de La Roche-Guyon (1887), que refleja una influencia tardía de su antiguo conocido Cezanne, muestra la nada convincente evolución de Renoir como pintor de figuras.
En el Thyssen faltan algunas de las más destacadas como Mlle. Irene CahenNiña con un bouquet de floresEn el verano, La Rêverie (Jeanne Samarie), o alguno de las hermanas Lorelle, por mencionar algunas que podrían o deberían haber venido. Muy pocas de las que están figurarían en una exposición sobre Renoir verdaderamente antológica.
En vida del pintor podía ser diferente. Posiblemente estas figuras post-impresionistas, suaves, coloristas y en general rotundas, fueran tanto del gusto de los burgueses en ascenso como de la burguesía media profesional y funcionarial y acabaran calando en el pueblo llano. Son carne, valga la redundancia, de ilustración de calendario. En tono familiar (niños, niñas, mujeres vestidas) o picante (mujeres desnudas). Todo respetable, nada estridente y muy poco intelectual.
Puede que hoy conserven su atractivo, que haya a quien le gusten. El gusto es algo siempre respetable y subjetivo. Y ha de mencionarse que unos pocos de estos opulentos desnudos, modernas Venus de Willendorf, podían interesar a artistas como Matisse o Picasso.
Acerca de la sensualidad, un tema opinable: el catálogo está lleno de citas transmitidas por su hijo, el gran cineasta Jean Renoir. En una de ellas su padre explica que, cuando al pintar un desnudo le daban ganas de darle un cachete en el culo, ya estaba acabado el cuadro. Seguramente de ahí viene que el Thyssen haya instalado un cuadro táctil (texturado) con trinos de pájaros. Renoir estaría desencantado, es un paisaje, no hay culo que palmear.
Si atendemos a criterios de calidad y popularidad, esta exposición muestra sobre todo a un Renoir mediocre. Este hecho podría haberse disimulado un poco si hubieran venido mejores ejemplos de sus diferentes épocas, pero lamentablemente no es así. Faltan demasiados cuadros notables relacionados con el tema de la exposición (ni siquiera están las fundamentales  Grandes Bañistas de Filadelfia (1887)), habiendo toda una sala dedicada al tema) y sobran muchos que a veces parecen pintados con desgana o reflejan al Renoir más formulario y comercial.
Hace un año, un (pequeño) grupo de activistas protestaron ante el museo de Bellas Artes de Boston exigiendo la retirada de los Renoirs del Museo por “sensiblero” y “terrorismo estético”. No es probable que en Neptuno se llegue a tanto, pero ganas dan.
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Madame Thurneyssen

BARBARA KRUGER, posiblemente, la mejor artista del mundo.


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Algunas obras de arte no soportan el paso del tiempo, pero el trabajo de Barbara Kruger sigue estando de actualidad, los temas que trata siguen preocupando hoy en día. Feminismo, género, consumismo, poder y política son sus principales inquietudes.
Se la encasilla muchas veces en el movimiento feminista de los 70, ya que empezó haciendo piezas textiles como muchas de ellas. Pero su trabajo se acerca más al de artistas como Jenny Holzer o Martha Rosler, y su estilo está totalmente marcado por su experiencia profesional como diseñadora gráfica. Tras estudiar arte y diseño con Diane Arbus y Marvin Israel consiguió un puesto en Condé Nast, y trabajó en los departamentos de arte de diferentes revistas, de donde vienen sus influencias.
Comparte esta característica con Warhol, quien también sacó provecho de su experiencia como diseñador gráfico. De esta manera Kruger absorbió los estilos y tópicos de la utilización de la imagen y el texto en prensa para jugar con ellos y transmitirnos su mensaje. Resultan unas imágenes impactantes como las que se pueden ver en prensa o publicidad, pero conscientes de sus estereotipos, realizando una crítica a los valores que a menudo éstos realzan.
Barbara Kruger también tiene el valor de haberse distanciado del modelo de arte institucional y encerrado en sí mismo, ya que desde el principio plasmó sus obras en todo tipo de soportes y lugares para que llegasen al máximo público posible. Utilizando el lenguaje de los medios de masas crea mensajes desde otro punto de vista, a veces el opuesto, haciendo reflexionar al espectador. La apropiación de imágenes y estéticas ajenas para crear nuevos significados no era una novedad en el mundo del arte, lo vemos en artistas como Andy Warhol o Roy Litchtenstein sin ir más lejos, y sigue siendo un recurso muy utilizado. Desde cualquier punto de vista que miremos el trabajo de Barbara Kruger, incluso las obras más antiguas, aún funcionan hoy como el día en que se crearon.
Barbara Kruger en

Barbara Kruger 
The Art History Archive - Feminist Art

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American conceptual/pop artist Barbara Kruger was born in Newark, New Jersey in 1945 and left there in 1964 to attend Syracuse University. Early on she developed an interest in graphic design, poetry, writing and attended poetry readings.
After studying for a year at Syracuse she moved to New York where she began attending Parsons School of Design in 1965. She studied with fellow artists/photographers Diane Arbus and Marvin Israel, who introduced Kruger to other photographers and fashion/magazine sub-cultures. After a year at Parsons, Kruger again left school and worked at Condé Nast Publications in 1966. Not long after she started to work at Mademoiselle magazine as an entry-level designer, she was promoted to head designer a year later.
Later still she worked as a graphic designer, art director, and picture editor in the art departments at “House and Garden”, “Aperture,” and did magazine layouts, book jacket designs, and freelance picture editing for other publications. Her decade of background in design is evident in the work for which she is now internationally renowned. Like Andy Warhol, Kruger was heavily influenced by her years working as a graphic designer.

Her Art

Kruger’s earliest artworks date to 1969. Large woven wall hangings of yarn, beads, sequins, feathers, and ribbons, they exemplify the feminist recuperation of craft during this period. Despite her inclusion in the Whitney Biennial in 1973 and solo exhibitions at Artists Space and Fischbach Gallery, both in New York, the following two years, she was dissatisfied with her output and its detachment from her growing social and political concerns. In the fall of 1976, Kruger abandoned art making and moved to Berkeley, California, where she taught at the University of California for four years and steeped herself in the writings of Walter Benjamin and Roland Barthes.

She took up photography in 1977, producing a series of black-and-white details of architectural exteriors paired with her own textual ruminations on the lives of those living inside. Published as an artist’s book, Picture/Readings (1979) foreshadows the aesthetic vocabulary Kruger developed in her mature work.
By 1979 Barbara Kruger stopped taking photographs and began to employ found images in her art, mostly from mid-century American print-media sources, with words collaged directly over them. Her 1980 untitled piece commonly known as "Perfect" portrays the torso of a woman, hands clasped in prayer, evoking the Virgin Mary, the embodiment of submissive femininity; the word “perfect” is emblazoned along the lower edge of the image.
These early collages in which Kruger deployed techniques she had perfected as a graphic designer, inaugurated the artist’s ongoing political, social, and especially feminist provocations and commentaries on religion, sex, racial and gender stereotypes, consumerism, corporate greed, and power.
During the early 1980s Barbara Kruger perfected a signature agitprop style, using cropped, large-scale, black-and-white photographic images juxtaposed with raucous, pithy, and often ironic aphorisms, printed in Futura Bold typeface against black, white, or deep red text bars. The inclusion of personal pronouns in works like Untitled (Your Gaze Hits the Side of My Face) (1981) and Untitled (I Shop Therefore I Am) (1987) implicates viewers by confounding any clear notion of who is speaking. These rigorously composed mature works function successfully on any scale. Their wide distribution—under the artist’s supervision—in the form of umbrellas, tote bags, postcards, mugs, T-shirts, posters, and so on, confuses the boundaries between art and commerce and calls attention to the role of the advertising in public debate.
In recent years Barbara Kruger has extended her aesthetic project, creating public installations of her work in galleries, museums, municipal buildings, train stations, and parks, as well as on buses and billboards around the world. Walls, floors, and ceilings are covered with images and texts, which engulf and even assault the viewer. Since the late 1990s, Kruger has incorporated sculpture into her ongoing critique of modern American culture. Justice (1997), in white-painted fiberglass, depicts J. Edgar Hoover and Roy Cohn—two right-wing public figures who hid their homosexuality—in partial drag, kissing one another. In this kitsch send-up of commemorative statuary, Kruger highlights the conspiracy of silence that enabled these two men to accrue social and political power.

Art by Barbara Kruger

Sex / Lure - 1979 
Untitled / You construct intricate rituals which allow you to touch the skin of other men - 1981 
Your assignment is to divide and conquer - 1981